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《失落园》将严酷的沙漠与原始状态的人体结合,构筑出一个独特的生命世界,是一部带有强烈的预言性和象征性的摄影作品。

在今天的世界,自然环境和社会环境都在发生着剧烈的变化,尤其是自然环境遭到了前所未有的毁坏,人们不得不开始考虑,我们为后代留下的将是一个怎样的社会,一个怎样的自然?同时,在自然环境的持续恶劣面前,更可怕的人性的沉沦和泯灭。人类对人性自身的破坏甚至比对自然的毁坏更为残酷。在沉沦与迷茫中,点燃最后的人性之光,在荒漠中重新看到希望,让失落的灵魂重生。这就是《失落园》真正想要揭示的主题。这一主题简单而深刻,但我们每一天都在面对。

2011年春季,《失落园》在香港苏富比“健康空气”主题拍卖中,单幅作品拍到11万港币。2012年9月,《失落园》参加平遥国际摄影节,成为最引人关注的展览。最终与欧阳星凯的《人民路》一起并列获得“评委会大奖”。

本次展览共展出16幅《失落园》作品,全部为收藏级打印和装裱。而在平遥展出过的引起轰动的真实的沙漠胡杨景观也将再现798映画廊展厅。

为配合此次展览的举行,著名的蒙古族乐队“HAYA乐团”也将在映画廊的沙漠胡杨中奉献一台精彩的演出。沙漠、胡杨、影像、以及来自草原的天籁之音,共同演绎这一场无与伦比的视听盛宴。

失落园
钟维兴
就在2008年5月12日,一场突如其来的大地震摧毁了汶川和北川人们正常的社会生活,将他们千百年来生存的居所夷为一片废墟,不可幸免的还有一座座寺观禅院,以及千百年来接受人们顶礼膜拜的佛像。陈锦通过相机镜头对这次灾难做了一次自我思考式的影像记录。漫步在这些被摧毁的佛寺里,穿行于倒塌的佛像间,陈锦感受到的是一种对自然造化的敬畏,以及一份深沉的为人的尊严。展览名字“相”就出于摄影家对这罕见场景的哲思:在佛像倾倒破碎的外相下,蕴含着悠远、淡定与达观的心相。陈锦将他感悟到的“内在的超自然的力量”用影像语言表现出来,希望通过这些影像表达他对灾难的认识、对生死的参悟,还有对生命的信仰。
    陈锦并没有加入震后报道悲情的大潮中,尽管从一定意义上说陈锦的镜头记录下的仍旧是灾难横掠的结果,可是通过他的影像,观者可以体验和摄影家一样的静思,可以感受到生命的流转与升华。陈锦在形式的艺术与内容的深沉两方面实现了直抵心灵深处的圆融。
   本次展览是摄影家陈锦继《市井》《茶铺》之后,又一次对自然与生命进行的人文式的探究与关怀,也是他摄影艺术创作的一次全新的尝试和突破。

陈锦
2013年12月22日,北京798映艺术中心/映画廊成功举办了《故乡的路——10位少数民族摄影联展》。此次展览是映艺术中心的年度特别展,汇聚了来自维吾尔族、蒙古族、回族、白族、傣族、纳西族、拉祜族、彝族、藏族等十个少数民族的摄影师的优秀摄影作品。尽管作品的风格不一,却都是摄影师对自己民族的人民、社会、生活的真实记录。对于这些少数民族摄影师来说,拍摄下自己民族生活中的常态,其实是他们对自我身份的诠释和对自己故乡的深沉凝望。而他们的凝望,也是对当下社会“故乡文化”的缺失所进行的思考。
故乡的路
10位少数民族摄影艺术家
 这一次,行走在克里雅河畔的陈亚强以古老的胡杨切入了探索时间与自然的主题。5月10日,陈亚强《时光肖像》摄影展将在今日美术馆开展,在陈亚强的镜头里,塔克拉玛干沙漠中枯死的胡杨树成为一种肖像,被赋予了生命的仪式感和尊严感。
 
    从某种意义上说,树木以生命的形式记录着时光,它是自然界最完美指给时间的载体。而胡杨是沙漠中的生命之魂,被维吾尔人称为“托克拉克”,意为“最美丽的树”,它的美丽在于“活着昂首一千年,死后挺立一千年,倒下不朽一千年。”“三千年的胡杨,一亿年的历史。”在极简的静物拍摄方式下,运用高像素数码相机的高品质,这组影像一丝不苟地将胡杨木的复杂构成和独特美感抓取出来,将它的肌理和特质十分清晰、细致地完全呈现,以十分隆重的视觉方式让它们的存在获得了凝视,时光仿佛在历史的年轮中干涸,甚至,我们可以感受到时间的裂缝,隐藏着关于时空与人性的种种,在不同的时空里,众多的其他意义被灌注到胡杨的肖像中,惊喜、感叹、忧伤、迷惘……一幅一幅,传达出挚烈的情感和强大的启示。
 
  “肖像啊!还有什么能比他更为简单,又更为复杂;更为浅显,又更为深刻?”面对树的肖像,面对胡杨的写真,面对陈亚强的作品,相信每一位观众都会得出自己的感受和诠释。
时光肖像
陈亚强

从2008年5月到2009年5月,摄影家金平用将近1年的时间拍摄了四川汶川地震的“灾区景观”。

与我们在媒体上看到的那些排山倒海般的抢险救灾照片不同,他把相机对准了那些已成残骸的辉煌过去。在他的画面中,既看不到舍身救人的壮观画面,也听不到震耳欲聋的赈灾号音,唯有的就是那些昔日辉煌成为废墟后的沉默无言,人类文明遭遇毁灭后的寂静无奈。

金平把他的这组照片取名为《天启》,具有它深刻的含义。

1937年,画家毕加索(Pablo Picasso)创作了一幅名为“格尔尼卡”(Guernica)的画作。二战中,当德军进入毕加索在巴黎的工作室看到这幅画时问他:“这是你画的吗?”他回答道:“不,这是你们干的。” 如今这幅画已成为二十世纪最伟大的政治绘画。金平的这组《天启》就像是一个现实的“格尔尼卡”。

虽然不是战争,但金平从另一个角度关照和表达了人类文明毁灭后的凄凉和个人与废墟的无言对白。从这个系列的那些工厂废墟、神像寺庙的残桁断壁、以及自然和居家的瓦砾残壁,金平似乎用他的影像框架勾勒出这样一种感叹:无论是自然灾害还是人为破坏,作为人类生存的这个蓝色星球,这样的废墟场都意味着我们悲剧性的归宿。我们往往乐于用摄影画面去美化我们的生存空间而有意无意地回避人为或者自然对我们生存空间的破坏,而敢于直面这样的毁灭性废墟,并不是为了简单地谴责某种作为,也不是寄托一种宿命的无奈,而是为了揭示一种生命的真实。

正如罗丹所说的:“没有什么比真实存在的绝对真相更加美丽了。”在金平的这一组作品面前,我们面对的就是这样一种“真实存在的绝对真相”,一种“格尔尼卡”似的警示“天启”。

5.12汶川地震转眼已经一周年,人们都在用不同的方式缅怀和纪念这场突入其来的灾难。金平的这组照片均采用“铂钯印相”的手法,用20×24英寸的底片直接印相而成,画面寂静深沉,时间仿佛凝固而意境漫长久远。你可以说它们是“地震照片”,也可以说完全与“地震”无关!

天启
金平
水是生命之源,人们对水的探究由来已久,赋予水丰富的科学、思想、文化内涵。
 
   《真水》是艺术的探求。多年来,我一直拍摄云台山,对云台山有着深深的眷恋。《真水》系列的作品,大多摄自于云台山的山间流水。是水在不同光照条件下泛起的涟漪、闪烁的波光、律动的轨迹。拍摄这些图片,旨在表现水的博大,展示水的魅力,感悟水的奥妙,回馈水的恩德。水令我痴迷,令我陶醉。每当我用镜头对准水,心底便一片宁静。仿佛久违的故人重逢,犹如知己间的凝眸对视。万籁俱寂,万物皆空。掀开水神秘面纱的一角,窥见的是浅唱低吟、翩跹起舞的精灵。这时,一滴水、一丝水、一汪水,折射的是整个世界,体现了刚和柔、动和静,演绎出诗和书、画和梦,彰显纯真、善良和美德,昭示睿智和哲理。这种在物我两忘、天人合一、无欲无为的状态下产生的水的抽象作品,与其说是自然之水的姿容,毋宁说是心路之水的倾诉,是对水的本质的把握和形式的再构,是对水的虔诚崇敬和倾心礼赞。
 
   《真水》是美的形式。水之美,美在自然的形式。水的形式之美,美在曲线。无论是静止之水,还是奔涌之水,或是波动之水,其存在的形式都是形形色色的曲线。水之曲线,有时如笔画刀刻,自如自在;有时如灵光闪电,转瞬即逝。其长与短、粗与细、实与虚、深与浅,或似山回路转,或如九曲萦回,有疏有密,亦真亦幻,引人注目,撩人遐想。水的形式之美,美在形态。曼妙抽象的曲线编织出变幻无穷的形态。从中,我们可以观察到浩渺的宇宙和无尽的苍穹,可以领略到大自然的鬼斧神工和世间万象,可以感受到澎湃的生命和丰沛的情感。水的形式之美,美在韵律。水随势流淌,临风波涌,迎光辉映,屈张有度,变化有序。似跳动的音符,谱写着无尽的水的传说、水的乐章。观之感之,抚平思绪,荡涤肝肠。我需要尽力去做的就是调动一切手段,把水的曲线、形态、韵律化为水的影像。对水的形式感的捕捉,实现了我追求美的渴望。
  
   《真水》是哲学的思辨。我把这些水的作品取名《真水》,是真实的水、自然的水、清纯的水之意。又分为“无香”、“无形”、“无言”三个篇章。“无香”乃无色、无味、无迹之意。“无形”是说水没有固有的形态。“无言”是指水至美至极,令人缄默无言。真水系列,总体上是从“有”入手表现水的“无”,寓“无”于“有”之中。但也各有侧重。通过水的曲线和色彩表现水的“无香”。通过水的各种形状表现水的“无形”。通过水的各种语言符号表现水的“无言”。这种无与有的辩证法指引我不断探求水的真谛,使我认识到水的艺术表现永无穷尽,通过摄影表现水有无限的可能。
 
   《真水》承载了对摄影的理性思考。《真水》的创作历经八年之久。这八年,既是对水的认识和表现的过程,也是对摄影的本质和本体语言的认识和探索过程。摄影创作的过程就是摄影家对拍摄对象的认知过程。认知是摄影的基本功能和途径。摄影的目的是表现和述说“一种现象、一个场景、一个故事、一段历史、一种思想感情”,是“认知”;摄影的过程,观察,发现、构思、撷取等环节,是“认知”;摄影的作品是“认知”的结晶;作品的传播是为了让更多的人“认知”。我从创作《真水无香》到今天的《真水》三部曲,对摄影的认知功能,有了越来越清晰完整的认识。
 
     摄影是我不变的生活方式!
 

     真水是我永远的艺术追求! 2012年5月

真水
秦玉海
新西兰艺术家、摄影家马丁·希尔与菲莉普·琼斯共同创作的临时环境雕塑作品在国际上广受赞誉。他们的作品利用自然界中的材料和元素来表现对于人类社会当下发展模式的忧虑,他们的摄影作品是对这些雕塑与装置的记录,也是对寻求一种更加可持续的生活方式的表达。此次展出摄影作品中出现的雕塑造型都取材于拍摄地周边的环境,仿佛艺术家与自然的对话,也影射着艺术家以微薄之力却顽强地尝试着影响、改变周遭世界的努力。
本次,这些来自新西兰和南极洲的精致影像来到映画廊,在中秋时节的清风里裹挟着地球另一端自然的气息,开始一段东西方关于“风光”的对话。
临时风景
马丁·希尔&菲莉普·琼斯
2014年,摄影师李迪两次前往孟加拉,对首都达卡及第二大城市吉大港的贫民的生存境况做了真实详细的影像记录。孟加拉是世界最贫困的国家之一,有49.8%的人口生活在贫困线下,数以百万计的人们带着对生活美好的期望,从农村涌向城市,但城市并没做好接纳他们的准备,为了生存下来,他们把城市的每一寸空间都利用起来,组合成“家”的概念。他们在生活与工作中苦苦挣扎,营养和卫生以及生命安全都是他们必须付出的代价。极端的贫困,触目惊心的污染,生命贱而无价值,生存环境之恶劣深深的震撼着李迪,他用镜头记录下这真实一切。

摄影批评家鲍昆评论李迪的摄影:“从我们中国人被看,到我们反过去看,走出去看,这是一个历史的过程。历史都是在点点滴滴上改变的。不过,在渐渐改变的进程中,蓦然回首,才知历史已经跨过千山万水。李迪的孟加拉摄影,就有点这样的意味。”
孟加拉的城市贫民
李迪
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